The Leisure Society

Rien que par leur nom, The Leisure Society nous invitent à l’oisiveté, à une longue balade au fil de l’eau sur un canal de la campagne anglaise. C’est la musique du printemps qui revient, du soleil qui fait fondre les dernières neiges et des jardins qui retrouvent leurs couleurs. Sur scène, tout se fait en sourires et bonne humeur. Les voix se mêlent en harmonies entrainantes, délicatement habillées par un violon ou une flûte traversière dont les mélodies empruntent autant au Beatles qu’au folklore irlandais, comme sur « A Matter Of Team ». Nick Hemming à la guitare s’épand entre arpèges au crunch chaleureux et picking enjoué, Christian Hardy répond au piano et compense la timidité de son comparse par quelques blagues revanchardes après leur défaite face à Lily Allen aux Ivor Novello Awards. « We Were Wasted » illustre d’après eux la nuit qui l’a suivie : pour nous, c’est l’occasion d’entendre que le groupe se débrouille aussi bien sur des balades intimistes que sur la mécanique pop huilée de « Save It For Someone Who Cares ». The Leisure Society travaillent déjà sur le successeur de The Sleeper et les quelques nouveaux titres entendus ce soir, comme « Into The Murky Waters » ne rendent l’attente que plus excitante.

http://www.myspace.com/theleisuresociety

Micah P. Hinson

Quasi inconnu en France, Micah Paul Hinson a déjà sorti en l’espace de 6 ans quatre albums sur lequel ce texan fait honneur à ses références, de Dylan à Leonard Cohen, oscillant entre un folk dépouillé et une pop riche en arrangements rappelant Jeff Buckley. Ce soir, il jouait pour nous un set acoustique, armé de sa seule guitare, frappée du « This Machine Kills Fascists » de Woody Guthrie. Complètement innattendu, il a captivé l’attention de toute la Flèche d’Or en offrant une prestation intense, sincère et sensible. Qu’il nous raconte l’histoire d’un catcheur raté ou comment son grand-père l’a repris en main « bien qu’il fut un salaud fini ! », Hinson touche au coeur avec sa voix nasillarde et des compositions qui frappent juste, comme la géniale « 2′s and 3′s », à l’apparente simplicité et dont la force se révèle dans ses dernières minutes. L’attitude désinvolte du premier abord s’évanouit au fil des chansons et des anecdotes et on finit par découvrir une fragilité touchante. Petite frappe durant sa jeunesse, le chanteur a peu à peu remonté la pente, pourtant le récit de sa rédemption ne transpire d’aucune morale mal placée. Au contraire, il fait mouche grâce à une autodérision bien sentie, qu’il nourrit de ses origines texanes ou de ses difficultés à arrêter de fumer malgré son inhalateur à nicotine.

Parfois, il commence une chanson sans la finir, une autre il répond à une fan qui demande « Close Your Eyes » en improvisant une version acoustique de la chanson, bijou richement arrangé qui ouvre son premier album Micah P. Hinson And The Gospel Of Progress. Les chansons s’enchainent, la formule ne change pas, jamais Hinson ne lache sa guitare, jamais il ne se prête au jeu des percussions ou des loops. Il habille parfois le son brillant de quelques effets mais c’est sa voix et son charisme qui occupent seuls l’espace pendant plus d’une heure et ne nous laissent pas retoucher le sol une seule seconde. Quand le chanteurs, un peu gauche, fini par s’effacer en coulisse, le public réalise la rareté du spectacle auquel il vient d’assister. Le temps est suspendu quelques précieuses minutes de plus pour un rappel dont tout le monde veut profiter tant que l’occasion est à portée. Des moments comme ceux là ne se présentent pas toutes les semaines.

http://www.myspace.com/micahphinson

Textes et Photos : Jean-Philippe Régnier

Alors que les quais du canal St-Martin n’ont pas désempli de l’après-midi de ce lundi de Pentecôte, à 21h, pas d’émeute pour les meilleures places devant la scène du Point Ephémère. Trouver une place libre en terrasse, voilà le véritable défi de la soirée ! Dans cette ambiance au parfum de vacances, dans un public clairsemé en tongs et bermudas, difficile de se mettre en conditions pour assister à un concert du rock crasseux de Quasi, avec ses incartades blues ( Rockabilly Party ) ou ses bridges noisy ( Bye Bye Blackbird ). Le trio lui-même arrive sur scène gavé de soleil, visiblement décontracté et n’essaiera pas de lutter : tant pis si on aurait mieux vu le groupe jouer dans un bouge enfumé un soir d’automne pluvieux, il aura défendu ce soir là son 8ème album, American Gong sans trop d’intensité mais en compensant par une proximité sympathique.

Les titres se déroulent sans marquer les esprits. Certains (All The Same) brillent plus que d’autres (le single Little White Horse), mais dans l’ensemble Sam Coomes semble réciter sa leçon et s’en tient à toutes les mimiques bruitistes de rigueur : du traditionnel pied de micro frotté sur les cordes au sempiternel delay incontrôlable laché sur des larsens suraigus, le chanteur ne fait pas preuve d’un investissement débordant dans le concert. Janet Weiss blague sur le calme qui règne dans la salle : en effet, le public, qui s’étoffe un peu au fil des chansons, écoute sagement.

Après un final rallongé et maîtrisé sur Blackbird, qui constitue quelques minutes remarquables du concert où la virtuosité évidente des trois américains s’affirme, Coomes met à contribution le public et écoute les suggestions de rappel. Si toutes les propositions ne peuvent être satisfaites, Quasi effectue rapidement le tri entre les chansons que Joanna Bolme ne maîtrise pas et les quelques compositions du duo originel multipliant couches et overdubs injouables en live et fait des heureux en quittant le Point Ephémère sur Poisoned Well et Black Dogs & Bubbles. Si le concert n’aura pas brillé par son intensité, Quasi n’a plus à démontrer l’efficacité de ses chansons. Si certains titres comme Little White Horse souffrent d’une étonnante immaturité, Sword Of God, Rockabilly Party ou All The Same sont autant de classiques en puissance qui n’attendent qu’un nouveau passage du groupe dans de meilleures conditions pour se graver profondément dans notre mémoire.

Setlist :

Repulsion

Nothing From Nothing

Rockabilly Party

Sword Of God/Sea Shanty

Master & Dog

Little White Horse

Repetition

All The Same

It’s Raining

The Happy Prole

Laissez Les Bons Temps Rouler

Ape Self Prevails In Me Still

When The Going Gets Dark

Blackbird

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Poisoned Well

Black Dogs & Bubbles

http://www.myspace.com/theequasi

Textes et photos : Jean-Philippe Régnier

Merci à Christophe !

Fantomatique, Bradford Cox est entré sur scène sur la pointe des pieds, la poitrine agitée par une toux violente, sa fragilité à peine dissimulée. Après avoir salué le public d’un sourire rassurant, il a entonné les paroles d’Helicopter, lourdes de sens : « I’m tired of my pain » et le brouillard des guitares s’est posé doucement sur la Maroquinerie. L’illusion aura fonctionné le temps de deux morceaux : on a cru jusqu’aux premières notes de Never Stops que Deerhunter nous baladerait pendant toute une soirée dans des plaines désolées et embrumées. En réalité, il a suffi d’un refrain déchainé pour qu’on comprenne que le groupe nous avait bandé les yeux avant de nous lâcher en pleine tempête. Cox nous a prévenus, la tournée s’achève ce soir et les quatre comptent bien profiter de leur final.

Deerhunter est un paradoxe. Ce soir, c’est ce qui fait toute sa sincérité : à l’instar de ses pères spirituels de la scène indé américaine que sont Sonic Youth ou Nirvana, il transcende son mal-être et sa sensibilité à fleur de peau à travers une énergie débordante. Une fois lancés, ces quatre nerds qui se sont mis à la musique parce qu’ils ne correspondaient pas aux canons du genre quaterbacks captent tous les regards, électrisent l’atmosphère et ne cachent pas sourires et enthousiasme qui contrastent avec la douleur quasi exhibitionniste de leurs chansons. Tantôt vilain petit canard, tantôt paon vaniteux, Cox part se cacher au fond de la scène, accroupi, comme prostré, et torture sa guitare ou revient au contraire au plus proche du public, s’offrir à chaque minute comme s’il entamait son chant du cygne. Pourtant, sa prestation n’a rien de désespéré ou de morbide : le chanteur exulte, habité par la grâce de ceux qui ne veulent pas se donner le temps de se lasser.

Chaque chanson sonne comme un éclair de génie, des arpèges cristallins de Agoraphobia au bijou Vox Celeste. Aucun remplissage, aucune frime : Deerhunter rend même humble l’improbable tapping qui sert d’outro à Nothing Ever Happened. Ultra efficace jusque dans son interminable et halluciné coda bruitiste, la chanson clôt un set qui a mis une claque à plus d’un. Revenant sur scène sous les hourah et les déclarations d’amour du public parisien, Deerhunter s’offre en guise de rappel une véritable récréation sur Fluorescent Grey, issue de l’EP du même nom et Strange Lights. Les quatre partagent quelques blagues, invitent sur scène des spectateurs à tenir les instruments, remplissent des appareils photo empruntés ça et là, slamment d’un bout à l’autre de la salle, renverse tout le mobilier disponible et s’efface en coulisse, hilare, après vingt minutes d’un joyeux bordel communicatif auquel tout le public a pris goût. Pas une personne ne quitte la salle sans un sourire aux lèvres, Pour ce jeudi de l’ascension, on n’était en effet pas loin du paradis…

Setlist :

Helicopter

Fountain

Never Stops

Revival

Rainwater Cassette Exchange

Little Kids

Disappearing Ink

Agoraphobia

Spring Hall Convert

Vox Celeste

Hazel St!.

Nothing Ever Happened

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Fluorescent Grey

Strange Lights

http://www.myspace.com/deerhunter

Merci à Sebastien !

Texte et Photos : Jean-Philippe Régnier.

Steve : Deux verres de château Le Cluzet s’il vous plait.

Vous parlez français ?

Steve : Oui, un peu. Juste assez pour commander un verre de vin, l’essentiel ! J’essaie.

C’est agréable, d’entendre des Anglais, parler un peu français.

Steve : Oui, on fait ça pour que les gens se rendent compte que nous ne sommes pas tous des abrutis finis ! (Rires)

Dans la vie quotidienne, vous n’avez pas l’air aussi énervés que dans vos chansons, finalement…

Steve : Sur scène, pourtant, c’est là où on se sent le plus « vrai ».

Laura : Mais on n’est pas méchant, dans la vie de tous les jours. Justement, on se réserve pour la scène.

Steve : Je pense qu’on fonctionne de la même façon qu’un type qui écrit beaucoup de chansons d’amour parce qu’il est incapable d’aimer correctement. Beaucoup de choses nous énervent au quotidien, on se sent parfois impuissants face à ça, donc on l’exprime dans notre musique. C’est la part en nous qui n’arrive pas à s’exprimer ailleurs, toutes nos émotions négatives. J’ai du mal à penser qu’on puisse être pareil dans sa musique et dans sa vie, au contraire, les deux sont complémentaires, donc assez différents, pour faire un tout qui est notre vie.

Toutes ces émotions négatives, justement, d’où viennent-elles, qu’est ce qui vous inspire : des situations, des anecdotes ?

Steve : Ca n’est pas si direct. Ca ne vient jamais de quelque chose de concret, c’est plutôt du ressenti. Les chansons naissent pendant un jam. Comme on est en duo, c’est assez facile, Laura joue, je réponds, et quand quelque chose nous plait et a la carrure d’une chanson, on explore. On ne peut pas parler vraiment d’inspiration donc, mais plus d’une alchimie entre nous, quand on joue. On commence une chanson, on la structure, ensuite les paroles viennent. C’est toujours très instinctif, ça sort de l’inconscient.

Les paroles viennent toujours après la musique ?

Steve : Oui, toujours la musique en premier, les parole ensuite.

Vous travaillez à partir de jams, et ça se sent dans votre musique, qui ne respecte pas tellement le schéma couplet/refrain et est plus souvent basée sur des riffs très efficaces, des couches de guitares qui se superposent…

Steve : En effet, on tourne souvent autour d’un riff que Laura trouve, la progression d’accord qui s’y rapporte, et les paroles ne viennent qu’habiller les riffs. On ne se dit pas « Tiens, ces accords là pour le couplet, ceux là pour le refrain… ». On trouve une mélodie assez heavy en général, et le morceau tourne autour de ça. C’est à ça qu’on est efficace.

Vous vous distinguez de la scène anglaise traditionnel par un son beaucoup plus heavy en effet, en rupture avec l’héritage Smiths, Oasis et aujourd’hui des groupes comme Arctic Monkeys…

Laura : Oui, on ne fait pas du tout partie du phénomène indie actuel, on n’a pas les mêmes références et on ne suit pas les mêmes directions musicales. La pop n’a pas vraiment bercé mon enfance, on vient du punk, du heavy.

Steve : Il y a cette tradition anglaise, de suivre les Beatles, puis d’avoir sa phase Smiths, de renier puis d’adore Oasis, de comparer les Clash et les Libertines. Il y a un vrai héritage, une filiation entre chaque groupe. La musique anglaise est lourde d’héritage. On se réfère plus à des groupes américains, donc on est un peu en rupture avec ce modèle, oui. Les Stooges, par exemple, Black Sabbath. Ca ne nous empêche pas d’avoir des références historiques anglaises, Led Zeppelin en premier, mais Led Zeppelin n’a pas grand chose à voir avec les Beatles et n’a pas enfanté les Smiths, ils étaient à côté. On voit ça comme ça. Des groupe au son plus heavy, plus sombre, avec plus de guitares, moins de blabla. On préfère les gros riffs puissants aux accords pour pousser la chansonnette. Quand tu écoutes Oasis, tu te demandes parfois s’il y a une guitare dans tout ça. Tout le monde fredonne les paroles, tout tourne autour de ça. Personne n’écoute Oasis en se disant « Wow, ça c’est du riff ! ». Les gens qui fredonnent Blood Red Shoes, si tant est qu’il y en ait, chantent nos riffs.

Laura : Et je me rends compte aujourd’hui que j’écoute toujours en premier un bon riff, une bonne guitare lead plutôt que le blabla du chanteur, quand j’écoute un morceau aujourd’hui. C’est inconscient, c’est vraiment notre manière de fonctionner. Quand j’écoute un groupe comme Hot Snakes, le riff fait la chanson. C’est ce qu’on essaie d’atteindre.

Steve : C’est beaucoup plus excitant, pour moi, que tout le story-telling habituel. Beaucoup plus intense. Ca touche à quelque chose de plus primaire que les paroles.

Ce qui explique pourquoi vous êtes de grands fans de Josh Homme…

Steve : Oui, Laura est presque une groupie. On aime beaucoup, car il pense à sa guitare avant de penser à sa voix.

Laura : Même si je suis une fan assez récente. J’écoutais un peu Kyuss quand j’étais jeune, mais je n’ai vraiment appréhendé les Queens Of The Stone Age que récemment. J’ai écouté beaucoup de choses différentes plus jeune.

Certains groupes dont tu aurais honte aujourd’hui ? Est-ce que tu as écouté les Spice Girls ?

Laura : (Rires) Oui, j’ai eu ma période. J’écoutais plutôt les boys bands, j’ai écouté Take That ! Je ne devrais peut-être pas dire ça…

Steve : J’aime bien me dire que j’ai écouté des groupes que je n’écouterais plus aujourd’hui, mais que sans eux, je n’en serais pas là aujourd’hui. Quand ils ont commencé à faire parler d’eux, j’ai vraiment été fan de Placebo… Et aujourd’hui, je ne peux vraiment plus les encadrer ! Mais à l’époque, quand j’écoutais Placebo, un ami m’a dit « Si tu aimes Placebo, tu devrais écouter Sonic Youth… ». On pourrait dire que ça n’a rien à voir, mais finalement…

Il y a une infime partie commune qui permet de passer de l’un à l’autre… et ainsi de suite…

Steve : Voilà ! Et heureusement, sinon je serais resté coincé à Placebo, dans une impasse ! Donc grâce à ça, j’arrive à ne pas avoir honte de ce que j’ai écouté, même si c’était des groupes vraiment nazes… (Rires)

Laura : J’ai même écouté Guns’n’Roses… Et je n’ai pas pu m’empêcher d’acheter le dernier album… C’est dur, mais j’aime toujours Guns’n’Roses…

Parlons du fait d’être un duo. Est-ce que vous pouvez-nous confier les « dos and don’ts » ? « Démocratie » est un mot qui n’a pas cours dans un duo !

Steve : « Dos and don’ts… » Je pense que le plus gros problème quand on joue à deux, c’est que s’il y a désaccord, on est bloqué. Par exemple, quand on a fait l’album, on était très emballés par l’idée de le produire nous même, mais on s’est rendu compte qu’on ne pourrait pas faire sans une troisième personne. Sans ça, en cas de bagarre, ça n’aurait jamais fini ! Donc, soyez sûr d’avoir une troisième personne qui pourra trancher, ou vous êtes morts.

Laura : Don’t… Ne sortez pas ensemble.

Steve : C’est clair, ne sortez pas ensemble ! Déjà, on ne fera que vous demander si vous sortez ensemble…

Vous sortez ensemble ?

Steve : (Rires) Non… Et surtout, quand ça sera fini, et bien justement, ça sera fini !

Vous connaissez le duo John & Jehn ? Des Français installés à Londres…

Steve : Oui, j’ai les ai déjà entendus.

Au contraire, eux disent que leur couple nourrit leur musique.

Steve : Tant mieux pour eux, mais c’est un terrain très glissant… Ils sont complètement fous !

Laura : Je ne trouve pas que ça soit si fou…

Steve : Tu es celle qui disait que ça l’était !

Laura : Je pense que ça dépend de ce que tu veux que ta musique exprime, des sentiments que tu veux y mettre, de la manière dont tu veux vivre ta relation, qu’elle se mélange avec ta musique. Le problème, c’est ça, c’est qu’elles finissent par se confondre, et un jour, le couple se sépare, et le groupe se sépare en même temps.

Comment vous gérez le fait d’être toujours ensemble, comment vous vous protégez de l’overdose ?

Steve : On ne se protège pas !

Laura : On a des phases, parfois on ne peut plus se voir, et parfois, on sort ensemble le soir et on passe la journée ensemble en studio, et on part en tournée et on vit 24h/24 ensemble !

Steve : On a des hauts et des bas, ça se fait naturellement. On a parfois besoin de se donner de l’espace, et à d’autres moments, on ne peut plus se passer l’un de l’autre. Ca fait six ans qu’on joue ensemble maintenant, on commence à se connaître, à savoir quand l’un a besoin de l’autre ou au contraire a besoin d’air. Laura est facile à connaître : quand elle va mal, elle t’engueule.

Laura : Dans l’ensemble, on se supporte très bien. On a même vécu ensemble.

Steve : Trois ans.

Laura : Maintenant qu’on vit chacun de notre côté, c’est même plutôt agréable, de se retrouver coincé ensemble en tournée.

Steve : Ca ne va pas servir notre santé mentale ! (Rires)

Comment vous êtes vous rencontrés, et comment en être vous venus à jouer ensemble ?

Steve : Laura jouait dans un groupe de punk à Londres, et la scène punk n’est plus si développée en Angleterre, tout le monde se connaît.

Laura : Non, par rapport à ce qu’elle a pu être, c’est tout petit maintenant…

Steve : Moi je jouais à Brighton, on a joué un soir ensemble, on a discuté, on s’est dit qu’on devrait essayer de jouer ensemble mais on ne l’a jamais vraiment fait jusqu’au jour où nos groupes respectifs se sont séparés. Elle m’a envoyé un e-mail en disant qu’il fallait s’y mettre, cette fois, et ça a bien marché, on a vraiment aimé et voilà, on avait Blood Red Shoes.

Laura : Ca a vraiment été très vite à partir de ce moment là. On n’était même pas encore amis. On a appris à se connaître en jouant ensemble.

Steve : C’était même bizarre au début, Laura et moi sommes très différents. On se connaît depuis si longtemps maintenant, je ne me sens plus si différent maintenant, mais on l’est, crois-moi !

Laura : Oh oui…

Steve : Dire qu’on forme un groupe… (Rires)

La première fois que je vous ai vus, c’était il y a deux ans, vous ouvriez pour Comanechi, dans une petite salle du Nord…

Steve : Ah oui, je me souviens très bien ! Le Grand Mix ! Tourcoing ! C’était super…

Oui, une bonne soirée, quatre bons groupes.

Steve : Tu sais que la fille de Comanechi est maintenant batteuse pour The Big Pink ?

Vraiment, ceux qui chantent Dominos ?

Laura : Oui, elles jouent de la batterie pour eux…

Steve : Comanechi était tellement meilleur…

Laura : En plus, elle ne joue pas tant que ça, tout est samplé… Ca craint…

Donc, six mois plus tard, c’était Rage Against The Machine, devant des milliers de personnes, ce soir le concert est complet depuis des semaines, les gens vous attendent vraiment… Comment vous avez vécu ces deux années ?

Laura : Déjà, on joue mieux.

Steve : C’est clair, on joue beaucoup mieux ! Et on écrit de meilleures chansons.

Laura : On est plus confiants, on a l’impression de maîtriser plus ce que l’on fait. On a tellement tourné…

Steve : Aux Etats-Unis, au Japon, à Hong-Kong, ça paraît fou… On a vu « le monde extérieur », on a appris beaucoup sur la vie, les gens, et ça s’entend dans notre musique. Le premier album était celui d’un groupe qui voyageait entre Londres et Brighton. Maintenant, on peut parler de ce que c’est, de voir le monde, de voir notre public. Finalement, ça nous désoriente, aussi.

Laura : Ca nous a appris qui on était, le sens que ça avait de jouer dans un groupe, d’être à deux, de faire de la musique. Tout ça, on ne peut pas connaître avant d’avoir un album sorti et de tourner, longtemps. C’est là qu’on apprend réellement ce que c’est, que de faire de la musique, plus que dans la réalisation d’un premier album. Tout le monde peut le faire, ça.

Steve : Il y a a deux ans, on était vraiment des gamins. Maintenant, on est des ados. (Rires)

Est-ce que vous pensez plus à votre public, maintenant que vous le connaissez ? Quand vous écrivez une chanson par exemple ?

Laura : Pas quand on écrit, non. Parce qu’on improvise beaucoup.

Steve : Peut-être un peu quand on enregistre.

Laura : Quand l’album est fini, surtout. L’appréhension de le sortir !

Steve : Mais on ne se dit pas, quand on fait l’album « Faisons ça de telle manière, car les gens vont aimer ! ». A la limite, ça a une influence sur l’ordre des chansons. On essaie de penser à la façon dont une personne va ressentir l’album en l’écoutant, il faut voir ça comme un trajet, pas un enchaînement de chansons déconnectés. Donc c’est comme un car de touristes, il faut penser à ce qu’on veut leur montrer de nous.

Mais les monuments n’ont pas été érigés pour les touristes, c’est le trajet du car qui s’adapte…

Steve : Voilà ! C’est vraiment différent d’enregistrer une chanson pour soi, comme un premier album, et d’enregistrer une chanson en sachant que des gens vont l’écouter, parce que le premier album a été écouté ! Tu as un peu le pouvoir, tu décides de ce que les gens vont ressentir, des émotions que tu vas susciter. J’attache beaucoup d’importance à l’ordre des chansons.

Laura : Tu imposes aux gens d’écouter l’album comme tu voudrais qu’ils l’écoutent.

Quel est votre premier public, quand vous terminez un enregistrement ?

Steve : Notre manager.

Laura : Nos amis proches, ensuite.

Steve : J’ai toujours peur de le faire écouter à ma maman… Je lui ai donné une copie de Fire Like This, mais je n’ai jamais osé lui faire écouter. Je pense qu’elle l’a fait…

Laura : Moi je lui ai fait écouter.

Steve : Pour notre premier album, c’était différent, quand j’en ai eu une version finale, je l’ai fait écouter à tout le monde, littéralement tout le monde. J’avais besoin de savoir ce que les gens en pensaient. Pour le nouveau, c’était différent, j’avais plus confiance en nous, j’étais plus du genre « Il est bon, donc faisons un peu patienter les gens jusqu’à la sortie et que tout le monde se dise « Wow » !

Qu’est ce que tu peux dire au sujet d’être une fille, dans l’industrie de la musique ?

Laura : Je ne sais pas si je peux dire qu’on a droit à un traitement spécial, mais on est traitées différemment, oui. Je ne sais pas pourquoi, mais les mecs ne se sont pas encore remis de voir une fille jouer de la guitare électrique. Tout le monde trouve ça super sexy. Quand on a ouvert pour Rage Against The Machine, on n’était pas encore très connus et tout le monde était là « Qui c’est cette minette qui joue si fort ? Qui c’est cette nana qui joue comme un mec ? » et en même temps, je suis toujours critiquée sur la simplicité de mon jeu, sur le fait que mes lignes sont basiques, qu’elles n’ont rien de spécial, que je ne joue pas de solos super complexes et que mon son est très brut.

Steve : Ils parlent surtout plus de ton look plus que de ta putain de guitare…

Laura : Ouais… C’est très frustrant, ça me plombe vraiment le moral parfois…

Steve : Une fille qui joue de la pop, ça ne choque personne, mais une fille qui joue du rock, tout à coup, se fait chambouler, parce qu’il faut être un mec pour jouer du rock, du heavy. Ils se disent que si une fille joue ça, ça doit forcément être facile.

Laura : Ils disent que c’est facile, mais j’aimerais les y voir, jouer mes parties, chanter et être seuls avec le batteur sur scène. C’est pas comme si on pouvait se dissimuler, il y a beaucoup à assumer.

Steve : C’est quoi les groupes à guitares du moment ? Franz Ferdinand, les parties de guitares ne sont pas vraiment compliquées non plus, et paradoxalement, tout le monde crie au génie, pour cette simplicité, cette efficacité retrouvée !

Laura : Arctic Monkeys, c’est super simple. Tout se joue sur les deux premières cordes. Tout le monde me reproche de ne pas jouer des parties complexes, honnêtement, ça n’est pas le but, je n’ai jamais essayé et n’ai jamais prétendu réinventer la musique. Ca me fout en l’air, de ne pas être jugée sur un pied d’égalité, sur les mêmes critères. Et encore, ça, c’est quand on parle de mon jeu, ce qui n’est déjà pas très courant…

Steve : Il arrive que des groupes soient classés dans un genre avant même qu’ils jouent une note, juste sur leur look, et on fait un peu partie de ceux-là, à cause du regard que portent les gens sur Laura.

Laura : Ca arrive beaucoup plus souvent aux femmes qu’aux hommes…

Steve : Oui, à cause de gens comme Madonna, qui ont utilisé leur look et leur physique pour faire la promotion de leur musique. Maintenant, même quand on essaie de contourner ça, c’est vu comme une façon de travailler son look !

Laura : Ca m’énerve tellement… C’est tellement facile…

Steve : On n’y coupe jamais, quelque soit la review, ça dit toujours « Steve est un bon batteur, Laura est vraiment sexy. », quand tu regardes les vidéos sur Youtube, ça tourne autour de « Quel canon ! » ou « Hé, poupée ! ». Les gens commentent ma façon de jouer et sa façon de s’habiller.

Laura : J’aimerais vraiment que les gens s’attachent plus à ce que je joue, mon son… Ca fait six ans que ça dure, c’est très frustrant. Mais je rencontre aussi quelques filles qui disent qu’elles se sont mises à la guitare grâce à moi, ce genre d’histoires, donc je garde le moral ! Ca, ça me donne vraiment envie d’avancer !

Parlons un peu de ton jeu alors, justement : comment reproduis-tu en live les multiples couches de guitare de l’album. Tu utilises des boucles, sur Sulphites par exemple ?

Laura : On ne joue pas cette chanson sur scène ! Pour l’album, on a juste doublé les guitares, une par une. Après, justement, j’ai une façon de jouer qui mélange les accords, je joue un riff pendant qu’une basse continue la mélodie, donc on dirait qu’il y a plusieurs guitares, mais je suis seule. Comme quoi, tout n’est pas si simple et évident !

Steve : J’ai aussi un sampler que je déclenche à la batterie, pour certaines nappes.

Laura : Oui, sur When We Wake par exemple, il y a un bourdon pendant toute la chanson, il est pré-enregistré et c’est Steve qui le lance. On fait ça uniquement quand on ne peut pas faire autrement, le but est d’être le plus dépouillés possible, de jouer tout ce qui s’entend, c’est une façon de jouer sans filet qui nous plait. Sulphites est sortie d’un jam, on ne fait pas ça habituellement, empiler tant de guitare, mais c’était la fin de l’enregistrement, on s’amusait, et on s’est dit que ça sonnait plutôt bien !

Steve : Quand on est parti dans cette voie, on savait qu’on ne pourrait de toute façon plus la jouer en live, donc on a poussé le jeu le plus loin possible et on s’est vraiment amusé parce qu’on n’avait jamais fait ça avant, Laura a enregistré des dizaines de guitares qui pouvaient se mélanger sur ce morceau !

Pour remplir l’espace, ton son doit être très dense. Toujours fidèle à 3 corps Marshall ?

Laura : Oui, évidemment ! Pour le fun, j’ai ajouté un petit Fender Champ à côté, les nouveaux 5w.

Steve : Il parait vraiment minuscule à côté… C’est une combinaison assez amusante, le son très lourd, très gras du Marshall et les claquements très secs du Fender.

Laura : Je ne joue pas beaucoup sur les effets, j’ai une distorsion, même si l’ampli est déjà poussé très fort, et un delay. Je suis passé à une gamme supérieure pour cet album, c’est un régal d’avoir les moyens d’améliorer son équipement !

Steve : Le son a vraiment pris en puissance depuis un an, c’est vraiment cool.

Ce soir, vous échangez les rôles à nouveau ? C’est un de vos petits jeux en tournée…

Laura : Je ne sais pas, on verra…

Steve : C’est vrai qu’on avait fait ça la dernière fois qu’on avait joué à Paris. C’était assez marrant, cette chanson un peu surf… Ca changeait !

Une dernière question, à propos de vos clips. Ils sont toujours très travaillés, un peu arty, à l’image de I Wish I Was Someone Better ou It’s Getting Boring By The Sea. Vous êtes attachés à la qualité des clips ?

Laura : Je préfère nos derniers clips, qui sont des performances filmées. Les clips dont tu parles n’étaient pas vraiment nos idées.

Steve : Je ne les aime pas trop, personnellement.

Laura : On n’est pas tellement dans le trip « clips » finalement, je n’ai pas beaucoup vu de clips dans ma vie, je ne regarde jamais MTV…

Steve : Je dois connaître vingt ou trente clips peut-être…

Laura : On s’est quand même rendu compte que si on s’attachait à faire des clips de qualité, ça pouvait vraiment nous servir, faire parler de nous. C’est venu au fur et à mesure, ça n’était pas le but au départ. Certaines personnes se souviennent de nous grâce aux clips, ont parlé de nous pour nos clips, donc on s’implique plus dans le processus maintenant qu’on a compris ça.

http://www.myspace.com/bloodredshoes

Propos recueillis par Jean-Philippe Régnier

Mais quelle malédiction pèse sur le Bataclan ? En deux semaines, deux concerts de groupes dont on a beaucoup (trop ?) attendu tombent à plat. Peut-être tient-on dans cette phrase la clé du problème : comme le Brian Jonestown Massacre, le Black Rebel Motorcycle Club peut-il encore satisfaire nos attentes après 12 ans de carrière et cinq albums fonctionnant sur la même recette, un blues rock énergique et rugueux, dont l’inspiration s’épuise peu à peu ?

En arrivant tardivement dans un Bataclan où s’étaient donnés rendez-vous tous les barbus de la région, la température ambiante nous prouvait que Zaza avait bien fait son travail. Un public chauffé à blanc attendait alors de pied ferme un Club qui n’avait plus qu’à faire hurler le moteur. Mais quand les lumières s’éteignent et que le concert s’ouvre sur War Machine, tirée du dernier album, c’est une évidence : l’intensité n’y est pas…

Niveau son, aucun problème, le trio a décidé de faire s’écrouler le Bataclan, fidèle à sa légende. Pas de basse ronde pour chatouiller l’estomac, pas d’arpèges cristallins : ce soir, c’est la distorsion qui règne. Robert Levon Been assène des uppercuts, la basse sèche et cinglante, tandis qu’Hayes use et abuse du feedback qui pointe à chaque note tenue et habille ses ponts de larsens torturés au delay et à la reverb. Mais s’il frôle parfois le génie et fait hommage à ses références, Jesus & Mary Chain en première ligne, on peut reprocher au guitariste de ne pas savoir faire dans la retenue. Après ving minutes de concert à étirer les ponts jusqu’à l’écoeurement, Beat The Devil Tattoo arrive au bon moment et relance une machine à la limite de caler.

Il faut reconnaître à ce dernier single une efficacité indéniable qui donne un second souffle à la soirée. Enchainés dans la foulée, les vieux succès Love Burns et Ain’t No Easy Way rappellent que le BRMC a eu droit à ses grandes heures, mais encore une fois, il faudra attendre la balade Annabel Lee pour nous ressortir de notre torpeur après un nouveau passage à vide de quelques titres monotones. La performance est inégale et on ironise forcément sur l’hymne qui clôt la première partie du set, Whatever Happened To My Rock’n'Roll. On se le demande, en effet.

Après un court noir, la reprise de Dylan Visions Of Johanna, chantée au plus près du public, ne restera pas dans les annales. Comme jusque là, la fin de la soirée oscille entre grands moments (Six Barrel Shotgun) et ennui profond  (Half-State) et on se surprend même à regarder l’heure plusieurs fois. Un final mi-kitsch, mi-féérique habillé de laser sur Open Invitation et une chanson improvisée devant les portes du Bataclan sont trop peu malheureusement pour effacer la profonde impression de monotonie qui a pesé sur la soirée. La formule commence à fatiguer : Black Rebel Motorcycle Club du troisième âge ?

Setlist :

War Machine

Mama Taught Me Better

Red Eyes And Tears

Bad Blood

Beat The Devil’s Tattoo

Love Burns

Ain’t No Easy Way

Aya

Berlin

Weapon Of Choice

Annabel Lee

Whatever Happened To My Rock’n’Roll

————————————-

Visions Of Johanna

Shuffle Your Feet

River Styx

Half-State

Conscience Killer

Six-Barrel Shotgun

Spread Your Love

—————————————-

Stop

Shadow’s Keeper

Open Invitation

http://www.myspace.com/blackrebelmotorcycleclub

Textes et photos : Jean-Philippe Régnier

On ne sait jamais vraiment à quoi s’attendre avec le Brian Jonestown Massacre. Groupe fantasmé par beaucoup, ses prestations françaises n’ont jamais vraiment été à la hauteur de la légende et le concert du 27 avril aurait pu être un de ces nouveaux gâchis pendant lequel Anton, planant à plusieurs kilomètres au dessus de la scène, aurait joué de sa guitare désaccordée comme des nerfs des autres membres du groupe, irascible et taciturne. Peut-être aurait-on pu aussi assister à une de ces prestations dont le net fait écho depuis un an, d’un Brian Jonestown Massacre flamboyant, de retour d’une traversée du désert salvatrice à l’issue de laquelle la sobriété retrouvée de Newcombe et le retour de Matt Hollywood ont soufflé sur les braises qui couvaient sous les excès du chanteur. Les plus fous ont même rêvé d’un concert qui aurait mélangé les dernières expérimentations islandaises de « Who Killed Sgt Pepper ? » aux pépites de « Give It Back » et achevé de graver dans le marbre « The Brian Jonestown Massacre keeps music evil… »

Malheureusement, ça ne sera pas Janus mais bien un BJM en moyenne forme et tourné vers le passé sans risquer une seule œillade vers les années 2000 qui s’offrira à nous. Quand les lumières s’éteignent et que le lancinant bourdon de Super-Sonic électrise l’ambiance, la chair de poule nous parcourt l’échine, forcément, mais on ne peut s’empêcher d’être déçu : pas amoureux du risque, les américains. Un comble, quand on veut garder la musique méchante. Quatre coups de cymbales reconnaissables entre mille, et c’est Vacuum Boots qui prend la suite, un tube, encore une fois, exécuté presque sans erreur et qui pourtant ne décolle pas : ce n’est pas encore ce soir qu’Anton se vrillera les cordes vocales. On se demanderait même si la sueur a perlé à son front dans la soirée. Matt Hollywood et Joel Gion, un peu débonnaires, sourient devant l’enthousiasme d’un public jeune et agité à qui suffit le simili-playback auquel on assiste.

Des hymnes, le Brian Jonestown Massacre en a composés, et les aura tous, ou presque, joués ce soir là : Nevertheless, Servo, même leur farce Not If You Were The Last Dandy On Earth fera partie de la setlist. Qui accepterait de voir Courtney Taylor et sa bande quitter une scène sans Not If You Were The Last Junkie On Earth ? Il y a eu le traditionnel coup de sang, sur When The Joker Attacks, quand derrière les fûts, Allaire rate un temps et subit l’humiliation publique de Newcombe, de moins en moins crédible dans son rôle de génie tyrannique et qui quittera la scène avant la fin de la chanson pour être ramené par Matt et Joel, pas franchement à l’aise. Finalement, c’est vers la section rythmique, Dan Allaire à la batterie, Ricky Maymi à la 12-cordes et le bassiste Frankie Teardrop qu’il faut se tourner pour découvrir ceux qui s’investissent dans le concert. Au fond de la scène, Rob Campanella, assis au clavier, profite de la promenade de santé…

Alors allons-y, soyons francs : c’était bien. Deux heures de set bien remplies, uniquement interrompues par un bref sketch d’Anton alpagant un spectateur qui demandait I Can See et un show propre, des solos presque sans accrocs. On leur donnait une demi-heure de plus et le groupe finissait de jouer Tepid Peppermint Wonderland, leur Best-Of sorti en 2004, dans son intégralité. Ce soir, Anton carbure au Redbull et se fait des cheveux blancs, alors que Matt dispute à Joel sa bedaine. Les premières images de Dig! commencent en 1995. Quinze ans déjà, et ça se sent.

Setlist :

Super-Sonic

Vacuum Boots

Wasted

Got My Eye On You

Let Me Stand Next To Your Flower

Servo

Anemone

When Jokers Attack

Sailor

Here It Comes

B.S.A.

Hide & Seek

Jennifer

Wisdom

Nevertheless

Cabin Fever

Sue

Not If You Were The Last Dandy On Earth

Who ?

That Girl Suicide

Oh Lord

Satellite

http://www.myspace.com/brianjonestownmassacre

Texte et Photos : Jean-Philippe Régnier

De retour à Paris, alors ?

Oui, on a joué ici l’été dernier, pour le premier album. On aime beaucoup Paris, on y a pas mal d’amis, en plus.

Comment vous êtes-vous rencontrés, les Strange Boys ? Qu’est ce qui vous a amené à jouer ensemble ?

Le groupe a démarré il y a 7 ou 8 ans. C’était un duo, au départ. Puis mon frère, Philip, a rejoint le groupe à la basse, Greg a pris la guitare et on s’est mis à jouer à quatre. Pour le nouvel album, l’ancien batteur est parti, a laissé la place à un nouveau, et on a aussi une saxophoniste avec nous, mais elle n’est pas là aujourd’hui, elle est restée à Austin. Maintenant, on est donc entre quatre et six, suivant les dates.

Comme tu le dis, le line-up a changé entre les deux albums : le batteur, avec qui tu avais fondé le groupe, est parti. Comment tu gères un changement comme celui-ci, que faut-il faire pour garder l’identité du groupe ?

Il suffit que chacun donne le meilleur de soi-même, s’investisse à fond, joue le jeu. A la base, toutes les chansons sont écrites à la guitare acoustique, donc pour les chansons, ça n’implique que peu de changements. Je pense qu’en fait, on est capable de jouer, quelque soit la formation. J’espère.

C’est toi qui écris et composes toutes les chansons, donc ?

Oui, c’est ça.

Be Brave est sorti moins d’un an après le premier album, et sonne tout aussi brut et direct. Comment un disque comme celui-ci arrive à maturité ? Quel est le processus de création qui l’entoure ?

Pour le premier album, en fait, on a enregistré les chansons qu’on avait à l’époque. On avait des chansons, on les a enregistrées, on a sorti l’album, c’était aussi simple que ça. On a essayé de reproduire la même chose sur Be Brave : enregistrer les chansons au fur et à mesure de leur composition, tout ce qui venait.

Vous enregistrez tout ce que vous écrivez ?

Il y a quelques chansons inédites. Quelques chansons que je n’utiliserai probablement jamais. Mais en général, on enregistre tout. On n’essaie de pas trop se prendre la tête là-dessus.

Ce qui explique que le deuxième album soit sorti si vite…

Oui. On est rentré d’Europe cet été, et on avait réservé un studio pour la semaine qui suivait notre retour, donc je me suis dépêché de finir les chansons, on y est allé et on a enregistré tout ça.

Quand a eu lieu cette session ?

En septembre.

En effet, tout ça a été très rapide…

C’est notre boulot, on a besoin de gagner de l’argent !

On peut imaginer que vous avez déjà des nouvelles chansons pour un troisième album, donc ?

Quelques unes, oui. On verra ce que ça donne après l’été.

A ce sujet, c’est facile, pour vous, aujourd’hui, de gagner votre vie par la musique ?

Ca demande beaucoup de travail, mais si tu travailles dur, tu peux le faire. On a quelques chansons que les gens aiment. Et si tu as quelques chansons que les gens aiment, tu peux partir en tournée. Ca te permet de faire la promo de l’album, et ainsi de suite. Ca dépend vraiment du boulot que tu y consacres. Aussi de ce que tu dépenses. Si tu veux un super hôtel tous les soirs, du nouveau matos tous les jours, tu vas claquer tout ton argent. En dépensant intelligemment, on peut s’en sortir, oui. Vivez chichement, soyez payés gros. C’est comme ça qu’on devient riche.

Finalement, vous êtes moins branleurs que ce que montrent vos clips, ou ce qu’on peut entendre sur le disque…

Ouais, c’est un peu ça… (Rires)

J’ai lu que vous étiez originaires de Dallas…

Oui, c’est là que le groupe a commencé.

Puis vous avez déménagé à Austin… Il y a une scène très vivace à Austin, vous la fréquentez ?

Oui, complètement. Il y a un paquet de petits groupes qui sont très bons à Austin en ce moment… The Golden Boys, Shape Of Things… J’ai des trous de mémoire ! Mais tout le monde se soutient, à Austin, c’est vraiment l’endroit rêvé pour jouer de la musique.

Et comment fait-on pour percer ? Pourquoi les Strange Boys sont ici aujourd’hui, et pas les Golden Boys, par exemple ?

Pourquoi on a percé en premier ?

Oui, comment êtes vous passés d’une scène locale à une scène de plus grande envergure ?

Euh… On a eu de la chance, j’imagine, on s’est fait booker, on est venu jouer ! On revient en juin, d’ailleurs. Là, on fait une petite tournée, puis on va rentrer à la maison, se reposer un peu, puis on reviendra jouer ici à Paris en juin, le 21.

Qu’est ce que ça fait de sortir un album à travers le monde ? The Strange Boys And Girls Club était sorti aux Etats-Unis uniquement, Be Brave est sorti en Europe, qu’est ce que ça change ?

En fait, je ne sais pas trop ! Je ne sais pas si des gens l’ont acheté ! On verra ce soir ! Je ne pense pas qu’on soit complet, ce soir (nda : si, si…). J’ai hâte de voir ce que ça va donner. Le dernier concert était bon, alors qu’on n’avait rien sorti ici… On va voir comment ça se passe ce soir, et comment ça va se passer en juin, avec plus de temps et de promo.

Ca marche mieux une fois que les gens vous ont vus, en général ?

Oui, complètement.

Certains groupes fonctionnent dans l’autre sens : ils enregistrent, sortent l’album, laissent le tout mijoter, attendent que la sauce prennent et viennet jouer ensuite. Pour vous, c’est le concert qui déclenche les choses ?

Oui, c’est comme ça que je vois les choses. Tu enregistres du mieux que tu peux. Puis il y a une période pendant laquelle le disque sort, mais tu ne peux pas trop y penser, tu n’as pas de recul. Ensuite, tu viens jouer, et tu donnes envie aux gens d’acheter le CD, en espérant qu’ils retrouvent sur le CD ce qu’ils ont vu en concert. Certains vont se dire « Le concert n’était pas terrible, mais le CD est bon. », d’autres vont se dire l’inverse, j’espère qu’il y en a quelques uns qui aiment les deux, mais dans tous les cas, pour nous, le show permet d’enfoncer le clou. Et il y a plus d’argent à se faire, on est obligé de tourner.

Finalement, le concert fait la promo du CD, ou l’inverse ?

Les concerts, c’est éphémère. Les gens viennent, mais ne reviennent pas toujours. On essaie de les divertir du mieux qu’on peut. On fait notre boulot et si on le fait bien, ils achètent le CD et le CD, par contre, ils vont le garder aussi longtemps que possible. Donc on pourrait dire que le CD est plus important. Mais c’est assez équivalent pour nous.

Au risque de paraître naïf, vous êtes originaires du Texas, qui n’a pas ici une très bonne réputation : comment ressentez-vous ça ?

Je dirais que tout ce qu’un parisien ou un français ressent par rapport au Texas, ou aux Etats-Unis en général, les Strange Boys ressentent exactement la même chose ! Le problème, c’est que aussi mauvais que soient les politiques et la politique des Etats-Unis, on n’est pas capables de garder ça pour nous, il faut que ça devienne international. Un mauvais leader, une mauvaise décision, une mauvaise loi, une mauvaise guerre… n’importe quelle guerre en fait ! Ca ne reste jamais exclusif aux américains. On est connu comme étant les brutes, les machines à tuer. C’est vrai !

Vous connaissez peut-être les Black Angels, qui sont d’Austin, comme vous ?

Oui, très bien ! En fait, Kyle vient de me vendre cette guitare, hier, juste avant qu’on parte !

D’accord ! Les paroles de Black Angels sont teintées de politique, parlent des heures sombres de l’Amérique, contrairement aux votres…
Vraiment ? Je vais relire nos paroles et relire celles des Black Angels alors ! Le truc, c’est qu’on ne parle pas du Viêt-Nam, on parle de maintenant ! C’était plus vrai sur Girls Club, mais ça l’est aussi sur Be Brave. Ca n’a pas tellement d’intérêt de protester dans une chanson.

Oui, c’est plus subtil…

Oui, voilà. Les gens se disent souvent que si tu mets de la politique, de grandes idées dans une chanson, tu te la joues prophète, du genre « Rejoignez-nous ! » ou « Peace, man ! ». Je préfère écrire des paroles subtiles, mettre un vers sur la politique et le vers suivant sur ce que je veux. On n’écrit pas des hymnes pour empêcher les gens d’acheter du Coca-Cola. Ca propose plutôt aux gens de penser par eux-mêmes. De ne pas croire la masse, l’agitation, la hype. N’écoutez pas tout ce qu’on vous dit à la télé, parce que la télé peut vous mentir. C’est plus ce genre de choses.

Qu’est ce qui t’inspire, quand tu écris une chanson ?

Ma vie… Les gens, les amis, la famille, des inconnus, des rencontres… Les choses se mélangent, tu écoutes un groupe, des jours passent, tu prends ta guitare, tu composes un morceau, les blancs se remplissent…

Et qui t’a influencé ? Qui t’a fait prendre une guitare et t’a donné envie d’écrire des chansons ?

Oh, il y en a tant… Je dirais tous les artistes que j’ai entendus et qui joue pour jouer. Qui écrivent des chansons pour les jouer. Vraiment pour la chanson, à la base, et pour rien d’autre.

Tu penses qu’une chanson doit être écrite pour être jouée en public, tu n’écris pas pour toi ?

C’est un peu ambigu, parce que tu sais, j’écris une chanson pour moi et une fois que tu l’as sortie, elle n’est plus à toi. Un vers que j’écris peut être très spécifique, très personnel, mais ensuite tu l’entends, tu lui donnes le sens que tu veux et tu ne peux pas me demander ce que moi je voulais dire dedans, à part si tu m’interviewes, et donc le sens est tien, à partir de là. J’écris les chansons pour moi, à la maison, et une fois sur CD, elles appartiennent à ceux qui les écoutent.

Qui vont peut-être en faire un statut Facebook…

Oui ! Ca peut aller jusque là !

Donc, vu que je t’ai devant moi, je peux te demander pourquoi il faut être courageux ?

Hmm. Tu n’as pas à l’être, mais ça peut aider. C’est un bon exemple du sens que ça peut avoir pour les gens et pour moi. Je ne dis pas à tout le monde qu’il faut être courageux tout le temps, parce que je ne le suis absolument pas moi-même ! C’est juste qu’au moment où je l’ai écrite, c’est ce que j’avais besoin de me dire. Il m’arrivait des emmerdes et ça m’a aidé ! Si quelqu’un me dit « Tu dois être courageux et t’engager dans l’armée ! », non, je ne suis pas d’accord ! Mais si je me dis « J’aimerais faire ce que je veux de ma vie, de la musique, etc. », mes amis, mes proches vont me dire « T’as intérêt à être courageux ! », ça va m’aider.

Et aujourd’hui, tu as fait ce que tu voulais de ta vie ?

Aujourd’hui, oui. Et peut-être que le chanter tous les soirs m’aide à m’en souvenir.

Que tu dois être courageux ?

Ouais… Et pourtant, chanter la même chose tous les soirs, c’est incroyablement lassant… Tu n’y penses pas, quand tu écris la chanson, que tu vas la chanter tous les soirs. Merle Haggard a sorti une compilation, « Songs That I’ll Always Sing », les chansons qu’il ne sera jamais lassé de chanter, qui comptent beaucoup pour lui. C’est le but ! Des fois, il faut aussi penser à son public, qui il est. Je n’ai jamais été très bon à ça, j’essaie de m’améliorer. Sur scène, si tu t’emmerdes, que tu joues ta chanson pour la centième fois de ces trois derniers mois, les gens ne doivent pas le voir, pas ressentir ça.

Car c’est la première fois, pour la plupart d’entre eux. Ce soir, par exemple.

Exactement. Et s’ils me voient me faire chier, sur scène, ils ne nous aimeront pas autant qu’ils le devraient. Ou le pourraient.

Et une chanson, très personnelle, peut-elle le rester quand on la chante tous les soirs devant un public, depuis plusieurs années ? Est-ce qu’elle garde son sens ?

C’est un très bon exemple, Be Brave, car elle contient quelques vers très personnels. Et maintenant, après quelques dates en tournée avec, je n’ai plus vraiment envie de dire ça tous les soirs. Ce que je fais, maintenant, c’est que j’essaie, en commençant une chanson, de me remettre dans l’état d’esprit dans lequel j’étais quand je l’ai écrite, pour la chanter avec la même intensité. Si j’y arrive, le concert n’en sera que meilleur. Mais ça n’est pas facile. C’est cool, d’une certaine façon, car ça m’emmène dans un coin de ma tête où je peux dire des choses que je n’ai jamais dites avant, que je n’ai pas mises dans la chanson, qui auraient pu y être. C’est intéressant, à explorer.

Ca t’arrive, d’improviser sur scène ?

C’est quelque chose que j’aime beaucoup. J’adore voir un groupe et remarquer qu’ils ont ajouté des paroles spécialement pour la soirée mais c’est tellement difficile ! Je n’y arrive pas encore ! Surtout sur les anciennes chansons, parce qu’elles sont tellement ancrées dans mon esprit, j’ai du mal à les modifier. Je me dis que je dois les jouer telles qu’elles sont, qu’il n’y a pas d’autre façon de les jouer. Je vais essayer de m’y mettre. On le fait plus facilement sur les reprises. On ne fait pas beaucoup de reprises, mais on essaie de se les approprier.

Tu te préoccupes de ton audience alors. Tu sais, qui écoute les Strange Boys ?

Hmm… Je pense qu’ils sont jeunes… Mais c’est vraiment une hypothèse, je n’en sais rien, en fait ! On ne veut vraiment mettre personne à l’écart. Si quelqu’un aime, si quelqu’un comprend, il est le bienvenu. On va en apprendre un peu plus sur cette tournée, je pense.

Ca a une influence, sur ta façon d’écrire et de jouer, de rencontrer ton audience ?

D’une certaine façon, oui. Si on me dit « Tu sais, à Lille, ils aiment quand ça va vite, quand on joue fort… » ou « A Glasgow, ils aiment plus lent, plus bluesy… », ça peut nous influencer. Il ne faut pas trop s’attacher à son audience, parce qu’évidemment, tu ne peux pas satisfaire tout le monde. Ca peut être une pente glissante. Mais il faut donner aux gens ce qu’ils veulent, autant que possible.

Vous jouez à Lille ?

Oui, dans quelques jours. Ils aiment quand ça va vite là bas ? Je connais les Crusaders Of Love, qui sont de Lille, très cools.

Et qu’est ce que vous préfèrez, Paris, Texas ou Paris, France ?

(Rires) Paris, France, sans aucun doute. Je pense que je n’ai jamais mis les pieds à Paris, Texas ! Mais c’est un bon film !

Propos recueillis par Jean-Philippe Régnier

Merci à Sebastien !

King Of Conspiracy

Au cas où nous ne serions pas assez malins pour le remarquer tout seuls, les groupes qui jouaient ce soir nous informaient de leurs influences en arborant les tshirts de leurs groupes favoris : Led Zeppelin pour Laura-Mary Carter, et donc évidemment Radiohead et Sonic Youth pour les King Of Conspiracy. Soyons clairs, pas le Radiohead illuminé et pur de In Raibows, non, le Radiohead rugueux et immature de Pablo Honey, sadique, qui prend plaisir à torturer le son et chante la mort de la pop. Que la chanson dure deux intenses minutes ou s’habille d’un interminable final noisy, King Of Conspiracy dissimule habilement la précision de sa musique dans une débauche d’énergie.

Car derrière la déferlante punk, le trio maîtrise sa musique avec une rigueur quasi-militaire. La batterie est littéralement bluffante, enchaînant syncopes, contre-temps et roulements et capte une fois n’est pas coutume toute l’attention, tandis que le bassiste nous rappelle que son instrument possède bien quatre cordes, toutes exploitables. King Of Conspiracy conclue sa magistrale intervention sur les longues minutes d’expression libre de B-Side et fait étalage de sa virtuosité :  plus question d’octave ou de quelconques intervalles, la moindre note voyage vers des aigus cinglants, est doublée en basse bourdonnante, elle se répète à l’infini en écho qui se noie dans les modulations du pedalboard. Un micro comme bottleneck improvisé, le chanteur répond par rafales saccadées à une section rythmique qui explore toute une palette de styles, du punk au funk. Le trio quitte la scène dans un bain de larsens alors que le public hébété se demande ce qui vient de lui arriver. King Of Conspiracy remercie Blood Red Shoes de les avoir invités à ouvrir leurs dates françaises : ce soir, ils leur ont un peu volé la vedette.

http://www.myspace.com/kingofconspiracy

Blood Red Shoes

Les concerts de Blood Red Shoes se suivent et se ressemblent… Les chansons sont différentes et le duo a gagné la maîtrise indispensable à sa formation, qui ne lui autorise aucune dissimulation, mais en substance, Laura-Mary Carter reste impassible derrière sa frange, aux commandes d’un stack Marshall poussé à bloc tandis que Steven Ansell assure l’interface avec le public, frappant mécaniquement sa batterie avec la puissance qu’on lui connait. La formule n’a pas évolué d’un iota, mais toute la force de Blood Red Shoes réside dans le talent des Anglais à occuper l’espace physique et sonore d’un 36 tonnes avec leurs 100 kg cumulés : magnétisés par le regard d’automate du batteur, on s’écrase la tête la première sur le mur du son de Carter.

La part belle est fait aux titres du nouvel album : Light It Up et When We Wake sont l’occasion pour les deux de confirmer leur évolution vers un son encore plus lourd, dont la caisse claire d’Ansell fera les frais. « Boîte à secrets« , comme le dit Ansell, n’est pas en reste pour autant : le concert s’ouvre sur « It’s Getting Boring By The Sea » et les classiques « I Wish I Was Someone Better » ou « Say Something, Say Anything » sont exécutés avec brio. Malheureusement, il manque d’un effet de surprise : on ne peut s’empêcher de passer une bonne soirée, mais on n’est plus surpris par Blood Red Shoes comme on l’était il y a quelques années.

L’inattendu laisse place à une certaine complicité pas désagréable, mais on va voir Blood Red Shoes comme on va voir régulièrement le groupe d’un ami : en connaissant les titres par coeur, en sachant à quoi s’attendre. Steven a gardé son habituelle pose, baguettes en l’air, Laura, elle, pour la première fois, remet en place ses cheveux et se montre à la fin du concert. Ce soir là, le duo fait même l’impasse sur leur récréation habituelle, une chanson aux accents surf-rock sur laquelle il échangeait les rôles et tombait le masque le temps de quelques joyeuses minutes. Le final se fait sur une batterie démontée dont Steven balade la caisse claire, Laura abandonne sa Telecaster fétiche, hurlant des larsens et les lumières tombent. Sur la route du retour, on sait déjà qu’on retournera voir Blood Red Shoes pour leur prochain passage : pas surpris, mais pas déçu.

Setlist :

It’s Getting Boring By The Sea

It’s Happening Again

I Wish I Was Someone Better

Light It Up

Doesn’t Matter Much

When We Wake

Keeping It Close

This Is Not For You

Don’t Ask

Say Something, Say Anything

Heartsink

—————————-

You Bring Me Down

Count Me Out

Colours Fade

http://www.myspace.com/bloodredshoes

Texte et photos : Jean-Philippe Régnier

Merci à Mathieu !

Beat Mark

Les influences qu’on retrouve dans la musique de Beat Mark sont vastes : leurs chansons évoquent autant des Beach Boys que des Stooges, autant du Velvet que des Cure. Malheureusement, entre assumer un héritage et lui faire honneur, il y a un pas que les cinq parisiens n’ont pas franchi jeudi soir. Il ne suffit pas de l’attitude légèrement freak d’un chanteur caché derrière sa mèche et de la moue un peu blasée de sa partenaire pour tenir une scène et malgré un duo basse/batterie efficace et une guitare inventive, Beat Mark peine à convaincre. Le chant, à la limite du parler, manque de personnalité,  quant aux choeur féminins, ils ne frôlent qu’à peine la justesse. Certes, de Bardot à Nico, l’Histoire nous a montré qu’il n’était pas nécessaire de chanter juste pour séduire l’oreille, mais ce soir, impossible de s’y faire : le groupe donne l’impression,  contagieuse, de se faire chier.

On ne doute pas que Beat Mark n’était pas au mieux de sa forme jeudi soir au Point Ephémère : balances et retours n’ont apparemment pas servi le groupe, qui n’a pas fait preuve d’une très grande aisance pendant ses 40 minutes de set. Pourtant, certains titres sont réellement bien construits (l’ouverture sur Breeezing! était prometteuse) et le chant gagne en puissance et en présence quand il s’aventure dans les aigus, où le mimétisme avec Robert Smith est frappant : à l’écoute de ce concert, c’est clairement la direction qu’on aimerait les entendre adopter plus souvent. En appuyant sur ses points forts et en abandonnant une attitude qui ne colle pas à ses prétentions, Beat Mark pourrait à coup sûr devenir une formation prometteuse : vu le traitement réservé à une belle date pour un groupe de cette trempe, on reste dubitatif.

http://www.myspace.com/beatmark

The Strange Boys

Un Point Ephémère plein à craquer et chauffé à blanc attendait les Strange Boys, qui ont débarqué comme un anachronisme devant ce public bardé d’Iphone et d’appareils photo numériques : avec leur garage pure veine sorti droit des 60′s, les nouveaux chouchous de Rough Trade, réduits ce soir là à quatre (la saxophoniste, Jenna Thornhill, était restée au pays pour se marier) ne sont pas là pour innover. Le pedalboard, réduit à sa plus simple expression, ne compte qu’une overdrive, un accordeur -utilisé malheureusement à outrance, parfois au détriment du rythme et des enchainements- et, comble de l’extravagance, un tremolo, les lumières oscillent sans fioritures, les garçons ne s’épanchent pas en babillages entre les chansons : pas de show à l’américaine ce soir là pour les Texans, il s’agit de jouer vite et bien, et c’est ce qu’ils ont fait.

Après un jam de 30 secondes le temps d’un (premier) accordage, puis un départ sur les chapeaux de roues sur Night Might, Ryan Sambol s’assure sur une boutade que les balances sont bien faites : bonne idée qui permet au public de faire remarquer que la voix est complétement inaudible. Malgré les réglages, cela restera le cas pendant une grande partie du concert. Chanson après chanson, on peine à entendre le timbre éraillé du chanteur qui s’obstine à monter le volume de son ampli après chaque chanson. Moins branleurs qu’ils n’y paraissent, les Strange Boys restent néanmoins parfois un peu brouillon et multiplient les faux départs. L’ensemble est néanmoins diablement efficace : le public connait sur le bout des doigts tous les titres, qu’ils soient issus du second comme du premier album et remue énergiquement sur le single Be Brave ou l’hyper bluesy Should Have Shot Paul. Le groupe colle des rythmiques ternaires sur toutes ses intros, les solos se déroulent, bien plus méchants que sur les enregistrements studios, les choeurs résonnent, on est dans le pur garage influencé par le rythm’n'blues du début des 60′s.

Après une heure de set rock’n'roll, le groupe quitte la scène, visiblement sans l’intention de venir jouer un rappel, mais sous les taquineries de ses acolytes, Ryan revient au micro et se fait rejoindre pour finir sur You Can’t Only Love When You Want. Visiblement ravi de l’effet produit ce soir, eux qui paraissaient peu sereins en coulisses plus tôt dans la journée et qui ignoraient tout de l’accueil qu’on leur réserverait annoncent sous les applaudissements d’un public qui a sué qu’ils seront de retour en juin pour une nouvelle date parisienne : on y sera, ça ne fait aucun doute.

http://www.myspace.com/thestrangeboys

Merci à Sebastien !

Nimh

Sympathiques, c’est le mot qui conviendrait le mieux à ces Rennais. C’est vrai, dès la première écoute, leurs compositions ne sont pas désagréables à l’oreille et le manque d’aisance sur scène des quatre bretons est équilibré par une bonne humeur communicative. Malgré tout, Nimh n’invente pour l’instant pas grand chose : on reconnait le talent qui couve dans les ponts instrumentaux et les sorties de morceaux bruitistes  (le Rhodes fait vraiment des merveilles et donne une chaleur particulière à n’importe quel morceau…) mais les compositions plus classiques ont déjà été entendues et manquent cruellement de cohérence et de personnalité : basse bondissante tendance reggae dans un titre et final rock rageur sur le suivant, ukulélé pour l’originalité et final en synthé débridé pour étouffer le tout, Nimh peine encore à cerner son terrain de jeu.  On gage qu’un marathon de scènes épurera les compositions du groupe pour en dégager le coeur !

http://www.myspace.com/nimhproject

New Politics

Leur concert a retourné les Trans cette année, dont ils sont la belle découverte. Avec leur rap gouailleur sauce Beastie Boys, mélangé à un once de punk/skate le tout mâtiné du discours post-ado politisé de RATM, New Politics a tout pour mettre le feu aux festivals de l’été.

Véritable bombe, les New Politics étaient bien décidés à remuer le Point ce soir là, à l’occasion de leur deuxième concert français. On peut ricaner à l’écoute de leurs appels à la révolution et leurs railleries des classes moyennes, mais impossible de ne pas shaker son booty sur les phrasés rap syncopés de ces Danois en ébulition. La « bête », comme les deux membres du groupe aiment l’appeler, qui se cache derrière la batterie assène des coups de massue à ses toms tandis que la Jaguar du guitariste est malmenée, tordue, frappée sur les pieds de micro et les retours et fait les frais de ce mauvais traitement en refusant de fonctionner sur quelques titres. Les soucis techniques sont habillés par des cours improvisés de français et d’impressionantes démo de breakdance et slow-motion : les trois remplissent la scène pour douze.

Les compositions se suivent et se ressemblent, limitées par la formation trio basse/guitare du groupe, mais les simagrées du chanteur dissolvent toute lassitude, on ne voit pas passer le set d’une heure et c’est comme ça qu’on reconnait un bon groupe de rock défouloir : les neurones se sont bien reposées et on a évacué tout le stress d’une journée de travail (et ça, le chanteur y tenait, vérifiant plusieurs fois auprès du public que le résultat était bien là  !). La formule risque de s’essoufler rapidement, mais il est clair que New Politics agitera son petit monde plus d’une fois.

http://www.myspace.com/newpoliticsrock

The Bewitched Hands On The Top Of Our Heads

Originaires de Reims et révélés grâce à une reprise du Tonight de leur voisin Yuksek, qui leur a valu une place aux Trans 2008, les Bewitched (comme on les appelle quand on est un peu intimes), qui faisaient office de doyens de la soirée, jouent une pop illuminée, dopée au psychédélisme, arrangée à grands renforts d’harmonies en tout genre et de couches de guitare superposées, rappelant tantôt le folk forestier de Fleet Foxes, tantôt le rock grandiloquent d’Arcade Fire et n’hésitant pas à lorgner même du côté du revival psyche du Brian Jonestown Massacre. Des Français parmi les plus excitants du moment.

Dès les premières notes de Happy With You, le charme opère. Les voix se mélangent : puissantes ou de fausset, féminines, masculines, les Bewitched nous proposent tout un éventail de sensibilités, qui se mêlent et nous frappent de toute part, alors qu’on ne sait où donner de la tête, abasourdis par ces solos hypnotiques si caractéristiques du psychédélisme 70′s. Véritable chorale hallucinée, tous les membres se dévouent à leur instrument, les laissent s’exprimer sans retenue : la basse rebondit, le tambourin scintille, le batteur se régale derrière les fûts, servant à merveille les harmonies vocales, comme sur ce Work qui sonne comme les plus grands titres de la scène canadienne.

Le groupe multiplie les configurations, les membres s’avancent sur le devant de la scène, s’effacent en coulisses, et chaque formation fonctionne. Toutes les chansons commencent en nous hérissant les poils de la nuque, que les Bewitched soient à deux, à quatre ou à sept, a cappella ou accompagnés, tant leurs hymnes transpirent de ferveur.

Alors que leur album devrait voir le jour en 2010, The Bewitched Hands On The Top Of Our Heads est un des groupes français les plus aboutis tournant actuellement. Après John&Jehn et leur new-wave classieuse, Villeneuve et son rock-electro panaché,  les Rémois nous montrent qu’on sait aussi produire de la pop magistrale dans l’hexagone. Une belle semaine, rassurante : la french touch ne se limite donc pas à l’électro de Daft Punk ou de Air et on n’a qu’une seule envie, écouter les petits qui naîtront de cette scène.

Setlist :

Happy With You

So Far Away From The Sea

So Cool

Underwear

Work

Ben’s Song

Birds & Drums

I Don’t Know, Master

Cold

Staying Around

Out Of Dream

No Song

Hard To Cry

http://www.myspace.com/handsbewitched

Textes et Photos : Jean-Philippe Régnier

Merci à Aurélie !